Encarno todo lo que temes y odias
Una exposición postal por nohacernada.org
Con obras de Anais Vasconcelos, Chelsea Culprit, Michelle Ponche, Mili Herrera y Nicole Chaput.
Agosto 2020 – término indefinido
La exposición tuvo una edición de 50. Fue enviada por Correos de México a personas que así lo solicitaron enviando su dirección postal. Ciudad de México, Guadalajara, Zapopan, San Miguel de Allende, Mérida, Oaxaca, Hermosillo, Guadalupe, Córdoba, Salt Lake City, Buenos Aires, Santiago, Viena y
Maastricht.
Publicamos en nuestros medios digitales las instrucciones para recibir la exposición Encarno todo lo que temes y odias.
Estas instrucciones incluían mandar a nohacernada.org la dirección postal física a la que cada persona deseaba recibir la exposición, para posteriormente seleccionar un espacio, montar dicha exposición y mandar registro fotográfico de las vistas de instalación a nohacernada.org
La exposición tuvo una edición de 50. Fue enviada a distintas direcciones de la Ciudad de México, Guadalajara, Zapopan, San Miguel de Allende, Mérida, Oaxaca, Hermosillo, Guadalupe, Córdoba, Salt Lake City, Buenos Aires, Santiago, Viena y Maastricht.
Encarno todo lo que temes y odias es una exposición impresa, su formato responde al deseo de realizar una exhibición presencial en el marco de una crisis de salud que impide reunirse en un espacio y tener aproximaciones entre cuerpos.
Retomamos el arte correo para hacer posible este encuentro a distancia. Estamos interesadas en la multiplicidad de sitios desde donde se mira y buscamos que lxs espectadorxs se involucren como colaboradorxs. Cada configuración de la exposición es única y compone el registro y memoria colectiva de la exhibición.
El título proviene de la traducción de la pieza de Adrian Piper: The Mythic Being: I Embody Everything You Most Hate and Fear, 1975. Una fotografía intervenida en la que Piper encarna a un personaje que enfatiza, a través de un performance en la calle, los clichés de agresividad que le son socialmente atribuidos a un hombre afroamericano. La frase, resonó con la pieza de Michelle Ponce, Nos tienen Miedo, ambas enuncian los estereotipos que se generan desde el temor al otro, visto como un ente extraño. Lo “salvaje” para la hegemonía siempre es lo que no se mide con ellos mismos. Mientras que lxs demás (género, raza, clase) somos percibidxs como recursos naturales que se dominan y explotan. En una total malinterpretación de los vínculos, no necesariamente de consumo, que desarrollamos con la naturaleza.
Chelsea Culprit experimenta una economía de materiales en esta pieza, respecto a su producción anterior. La canasta dibujada en El último pedazo de grano, remite a la contorsión y elasticidad característicos de los cuerpos representados por la artista, entretejidos, entrelazados. Son una maraña en la que se van perdiendo los límites de las formas, entablando conexiones y tensiones sensoriales entre los elementos contrastando la naturaleza “contenida” en el cuerpo femenino y la “naturaleza en la naturaleza”.
Las piezas de esta exposición, toman como partida la multiplicidad de personalidades en un mismo cuerpo: los cuerpos, que se transforman y mutan todo el tiempo, dejando de ocultar “la monstruosidad “que esto supone, aunque provoque aversión. Asumimos los fluidos que se nos chorrean; que nos in amamos y desbordamos.
Como explica Kate Millet en la Política Sexual (1995) “La idea cultural de la mujer es obra exclusiva del varón” (y la idea cultural de casi todo). Por ello, la mirada propia es una manera de rebelarse en muchos sentidos y es cuando te revelas, que se activa el terror en la figura de poder por perder el control, entonces, explotan con reacciones opresivas y violentas para detenernos de vernos a nosotrxs mismxs. Sobre todo cuando reclamas tu espacio fuera del marco aceptable de los mitos fundacionales del patriarcado.
Mili Herrera propone su producción como un amuleto contra las violencias machistas, obstétricas, clasistas, racistas, lgbt+fobicas y de género, experimentadas en los consultorios; como una manera de reconfigurar la imagen propia y contrarrestar en lo cotidiano la represión que la anatomía determina.
Los rituales personales de sanación conllevan una consciencia de los rezagos en mayor o menor medida, de lo que se nos impuso ser, la transformación se somatiza. Anaïs Vasconcelos pinta la inscripción “quiero sangrar gota a gota el veneno de tu amor” en su pieza La Copa Rota como una manera de expiación en su propio proceso de reparación emocional.
Dentro del proceso de autoentendimiento de una persona, existen destrucciones y borramientos. Nicole Chaput rueda sus ojos hacia adentro para investigar la debilidad como algo que detona posibilidades de rechazo y seducción simultáneamente. Trata de resolver cómo se le da forma a un cuerpo interno que está presente pero no es visible.
Mili Herrera
Oaxaca, México, 1995
Vive y trabaja en la Ciudad de Oaxaca, México
También conocida como “piedra voladora” es una artista oaxaqueña dedicada al dibujo, pintura e historieta. Su obra está basada en el arte secuencial y la caricatura, tratando las posibilidades visuales y oníricas de emergencias reales como la diversidad de género, la soledad y las políticas civilizatorias. Cursó la carrera de artes visuales en la ENPEG “La Esmeralda” de 2014 a 2020. Ha impartido talleres de dibujo con Colectivo Distropía en la costa oaxaqueña y en Cine Too, de la sierra norte. En 2017 obtuvo por la HEAD- Geneve en Ginebra Suiza (Escuela superior de Artes y Diseño -en español-) una beca para un intercambio académico anual. En 2019 recibió el PAC (Patronato de Arte contemporáneo) por el colectivo YOPE Projects, del cual formó parte. Ha participado en diversas exposiciones colectivas y/o en espacios independientes como Clavel Colectiva Curatorial (2020), Biquini Wax Galería (CDMX, 2020), Mashimón (CDMX,2019) y Yope Projects (2018).
Chelsea Culprit
Paducah, Kentucky, EU, 1984
Vive y trabaja en la Ciudad de México
El trabajo de Chelsea Culprit enmaraña las representaciones de la capacidad del cuerpo para trabajar, jugar, exhibirse, expresarse; la autenticidad ejecutada en la identidad y los inconvenientes de la libertad y la esclavitud personal. Moviéndose libremente entre las imágenes pictóricas, el arte popular y la materialidad del mundo real, las obras de Culprit se componen tanto de sentimientos como de descripciones. Trabajando de diversas formas con pintura, luz de neón, ensamblaje e instalación, su trabajo utiliza un enfoque compuesto para traducir las ideologías de la identidad femenina. Exposiciones individuales recientes incluye Malas Madres, Lulu, Ciudad de México, (2019); Fear of Seduction, Queer Thoughts at Maureen Paley, Londres, (2019); DMing Purgatory, Queer Thoughts, Nueva York (2018); Fishnets, Uma Certa Falta de Coerencia, Porto, Portugal (2017); Right to Remain Elegant, Galeria La Esperanza en el Barba Azul, Ciudad de México (2017); y Miss Universe, Yautepec, Ciudad de México (2016). Ha expuesto colectivamente en Palais de Tokyo, Paris, Francia; Museo de Arte Moderno de Varsovia, Varsovia, Polonia; Revolver Gallery, Lima, Perú; Australian Centre for Contemporary Art, Melbourne, Australia; y Museo de Arte Carillo Gil, Ciudad de México
Anais Vasconcelos
Tijuana, 1993
Vive y trabaja en la Ciudad de México
Licenciada en Artes Plásticas y Visuales por la ENPEG “La Esmeralda”. Ha participado en exposiciones colectivas nacional e internacionalmente, como en Karen Huber Galería en CDMX, el Museo de las Identidades Leonesas, en Guanajuato, en la National Academy of Arts de Bulgaria, en el festival Crackland 30 en Roma, entre otras; y de manera individual con Flotante galería en Cuernavaca este 2020. Fue becaria de CurArte 2020 por la SECULTA Oax, Jóvenes Creadores FONCA 2017/2018 en pintura, y de BecArte por el INBAL en su quinta edición, para estudiar un semestre en la National Academy of Arts en Sofia, Bulgaria. Su trabajo es fundamentalmente pintura, aunque explora diferentes lenguajes como el video, la instalación, y el dibujo. La vida cotidiana, lo femenino, la ciudad y sus incertidumbres son los protagonistas de su producción.
Nicole Chaput
Ciudad de México, 1995
Vive y trabaja en la Ciudad de México
Su práctica está basada en la pintura al óleo y escultura blanda, siempre retomando la pintura como no sólo un cuerpo pictórico, sino también un organismo con una tecnología similar a la de un espantapájaros: una figura suplente que hace presente lo que está ausente en cuerpo. El pincel, la palabra, el gancho de tejer, el bisturí, la brocha y la tijera se convierten en una prótesis de su propio cuerpo; un ducto de transferencia entre el cuerpo del objeto artístico y el cuerpo que Nicole habita. Es así que ella y sus objetos engendran una criatura paralela que permite hacer del cuerpo un laboratorio que violenta su propia representación para poder reconfigurarse. Estudió su licenciatura en las Bellas Artes en School of the Art Institute of Chicago (2018) y participó en Skowhegan School of Painting and Sculpture, ME, EUA (2019). Fue becaria del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (2018-2019).
Ha participado en exposiciones en México, Estados Unidos y el Reino Unido. En México su obra ha sido expuesta en museos, galerías, espacios independientes, edificios abandonados y ferias de arte. Sus exposiciones más recientes incluyen: Busca Vísteme ¡Mala Combinación! (Fuego CDMX, 2020), una muestra a dúo con Israel Urmeer; 3 Flimsy tongues (Chalton Gallery, 2020); su primera exposición individual Ojo histérico, curada por Ana Segovia (Casa Equis, 2019); Creación en Movimiento (Antiguo Museo San Ildefonso, 2019); y una muestra colectiva en Material Art Fair (2020).
Michelle Ponce Narro
Estado de México, 1993
Vive y trabaja en la Ciudad de México
Estudió la licenciatura en Artes Plásticas y Visuales en la ENPEG “La Esmeralda” (2011-2015).
Su práctica artística está enfocada en la reproductibilidad de la imagen y la información utilizando como eje principal la serigrafía. Su trabajo colectivo está enfocado en lo editorial. Está interesada en la investigación de nuevas formas de pedagogía dentro del arte enfocadas en adolescentes y público no especializado en el arte. Colaboró con el colectivo Red de Reproducción y Distribución (2016-2019) en donde fue gestora, editora y encargada del taller de producción de serigrafía. Con el colectivo realizó alrededor de diez publicaciones entre las que destacan "El Móndrigo" (2018) y "MAOF" (2019). Su trabajo se ha mostrado en diferentes exposiciones en México y en el extranjero, entre las que destacan “La Marrullera”, San Diego, California (2019), “Archivos X: Espirales de las indomables reinas del mambo”, Museo La Neomudéjar, Madrid, España (2019); “Interés Malsano”, en La Quiñonera, México (2016), “Without Restraint”, Kunstmuseum Bern, Zurich, Suiza (2016) y de manera colectiva “Pacific Pirate”, Kuandu Museum of Fine Arts, Taipei, Taiwán (2019). Ha recibido colectivamente la beca PECDA CDMX (2018) y PAC (2017). Actualmente es organizadora de la feria editorial con perspectiva de género “La Libra y la Rosa” en el MUAC y es coordinadora del taller de serigrafía “Espejo”.